Ciro y Los Persas – Naranja Persa 1 (2016)

Puntaje del Disco: 7

  1. Amor Prohibido8
  2. Luz: 7,5
  3. Juira!: 6,5
  4. La Rosa: 8,5
  5. Atún: 6
  6. Similar: 7,5
  7. Hoy Te Vas: 7
  8. 5 Bestias: 5,5
  9. Little Red Rooster: 8
  10. Multifruta (Tema oculto): 6,5

Naranja Persa, el tercer paso de estudio de Ciro y los Persas, la banda post-piojos del ícono del rock nacional Andrés Ciro Martinez, ofrece como novedad estar pensado como formato de álbum doble dividido en dos partes. La primera lanzada el 27 de Septiembre de 2016 y el disco dos saldrá antes de terminar este año.

Sobre este nuevo proyecto Ciro se mostraría muy satisfecho en declaraciones antes su inminente lanzamiento: “Estoy muy contento con Naranja Persa, sonamos fluidos, naturales, está todo grabado en vivo. Hay pocas cosas grabadas fuera de eso, algunas voces, algún coro, algún arreglo. La gran mayoría es en el momento, en vivo. En dos días grabamos todo. Es un disco que siento bien negro: hay funk, blues, soul y rock”.

Esta primera entrega es una síntesis de las virtudes que Ciro y Los Persas ya venían demostrando, una combinación de blues, funk y rock cargado de vientos y coros, que por momentos logra un nivel superador “Amor Prohibido”, “La Rosa” y en algunos temas menos serios parece dar algún paso atrás “5 Bestias”, “Atún”.

Andrés Ciro con su personalísima forma de cantar e interpretar sus temas, continúa siendo efectivo y una referencia dentro del rock nacional a más de veinticinco años de su aparición con Los Piojos.

F.V.

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A.N.I.M.A.L. – El Nuevo Camino del Hombre (1996)

Puntaje del Disco: 8

  1. Guerra de Razas8
  2. El Nuevo Camino del Hombre8,5
  3. Guerreros Urbanos7
  4. Lo Mejor de lo Peor7,5
  5. Pueblos Erguidos: 8
  6. Lejos de Casa: 9
  7. Sol8
  8. Antes de Morir: 7,5
  9. Amigos: 7,5
  10. Alas: 8,5
  11. Sabia Naturaleza: 7
  12. Chalito8

En los años noventa la nueva guardia de la música pesada a nivel local comenzaría a ganar cada vez más adhesiones y a ponerse a la par de pioneros como Almafuerte, Horcas y Rata Blanca, uno de los que aprovechó esta tendencia con creces fue A.N.I.M.A.L. que pisaría fuerte con su tercer álbum El Nuevo Camino del Hombre (1996).

El trío de Trash metal argentino comandado por Andrés Gimenéz venía en franco ascenso pero gracias a este material comenzaron a gozar de cierta masividad y sus trabajos comenzaron a ser distribuidos internacionalmente, logrando ser una de las pocas bandas pesadas de Latinoamérica que recorrieron el continente con giras de presentación.

El Nuevo Camino del Hombre significó la consolidación para A.N.I.M.A.L. siendo el primero de varios discos grabado en los Estados Unidos, donde llegaron a codearse con sus ídolos musicales y ante cada visita internacional metalera (Biohazard, Sepultura o Pantera), que no pararon de venir gracias a la convertibilidad reinante en la Argentina en los noventa, ellos estaban como soportes.

Desde su portada con esos tres puños entrelazados que simbolizaban la unión del trío por ese entonces. se graficaría el gran momento que estaban atravesando. Infelizmente unos años más tarde no pudieron soportar la ruptura de sus dos pilares, Giménez y Corvalán, lo que no permitió que la energía y presencia dentro de las huestes pesadas no pudiera seguir creciendo por mucho tiempo más.

F.V.

 

Marilina Bertoldi – La Presencia de las Personas Que Se Van (2014)

Puntaje del Disco: 8,5

  1. En Mi9
  2. Hoy Lo Veo: 8,5
  3. Malabares: 8
  4. Nada: 9
  5. Puentes: 7,5
  6. Presagio: 7
  7. Incendios8,5

Mucho talento, una voz impresionante y mucha personalidad son algunas de las tantas cualidades de Marilina Bertoldi, una especie de Fiona Apple o Alanis Morisette de estas latitudes, nacida en Sunchales, Santa Fe, que se encuentra en su mejor momento desplegando en cada escenario del país su potencia y originalidad.

Marilina (Hermana de Lula Bertoldi, cantante y guitarrista de Eruca Sativa) creó su propia banda de rock alternativo en el año 2010, Connor Questa, y se convirtió en un número importante en el circuito underground de Buenos Aires. El grupo con dos álbumes a cuestas y un crecimiento significativo se separaría en Marzo de 2015.

Bertoldi tendría su propia versión de esta disolución: “Fue un paso muy difícil pero necesario. Una banda que esta por sacar el disco más importante de su carrera tiene que estar completamente unida y centrada para hacer las cosas como se deben. No fue nuestro caso…Honestamente fue por eso, no hubo peleas, ni otro motivo. Después las cosas fueron llevando a que cada uno empiece a ver que los caminos que elegimos se vayan acomodando según las necesidades artísticas que teníamos.”

Lo cierto es que ya desde 2014 y con su segunda aventura individual se empezaría a tomar su carrera solista en serio y con el lanzamiento de La Presencia de las Personas Que Se Van (2014), se consolidaría y juntaría una banda soporte con Edu Giardina en batería, Luciano Farelli y Guillermo Porro en guitarras y Daiana Azar en bajo y teclados que ayudarían a consolidar este nuevo proyecto, el cual la expondría hacia nuevos públicos con una aceptación quizás mayor de la esperada para sus propias fantasias, pero totalmente merecida.

F.V.

Charly García – Filosofía Barata y Zapatos de Goma (1990)

Puntaje del Disco: 8

  1. De Mí: 8,5
  2. Filosofía Barata y Zapatos de Goma: 8
  3. Reloj de Plastilina: 7,5
  4. Gato de Metal: 7
  5. Gato de Metal: 8,5
  6. Curitas: 8
  7. Sólo Un Poquito No Más8
  8. Me Siento Mucho Mejor: 9
  9. Siempre Puedes Olvidar: 6,5
  10. La Canción del Indeciso8
  11. Himno Nacional Argentino: 7

Gracias a Filosofía Barata y Zapatos de Goma (1990), Charly García retoma algunos de los grandes momentos que lo hicieron grande en la década del ochenta. Luego de algunos años de descanso su genio compositivo volvería aunque a cuentagotas en su sexto álbum en solitario.

Integramente compuesto luego de la ruptura sentimental con la brasilera Zoca, con quien tuvo una relación intensa durante toda la década anterior, García expondría su situación personal y depresión de aquellos tiempos.

Junto a un dream team de músicos nacionales como Carlos García López (guitarra), Fernando Samalea (batería y percusión), Hilda Lizarazu (voz), Fabián Quintiero (teclados), Fernando Lupano (bajo) e invitados de la talla de Pedro Aznar, Andrés Calamaro, Gustavo Cerati, Fabiana Cantilo, que participaron de algunos temas, Charly nos ofrece una colección de canciones originales con un sonido que continúa siendo ochentoso preponderantemente y con una marcada admiración hacia Prince, donde sobresalen sobre el resto: “De Mí”, “No Te Mueras En Mi Casa”, “Curitas”, “Sólo Un Poquito No Más”, “La Canción del Indeciso” y “Me Siento Mucho Mejor”.

La polémica nunca estaba ajena a García, y esta no sería la excepción. Se trato de su versión del Himno Nacional Argentino Argentino (potenciada por la época, estamos hablando de casi treinta años atrás hoy por hoy no habría polémica alguna), por la cual debió sortear un juicio por “Ofensa a los símbolos patrios”, aunque finalmente fue autorizada en la justicia.

F.V.

Los Cafres – Alas Canciones (2016)

Puntaje del Disco: 7

  1. Alas Canciones: 8
  2. El Silencio: 8
  3. Listo: 6
  4. Perdón6,5
  5. Puedo: 6
  6. La Maraña: 6,5
  7. Caníbales: 6
  8. Misterio8
  9. Por Más q’ Intente: 6,5
  10. Sé q’ el Mar: 7
  11. Llueve: 5,5
  12. Órbita: 6
  13. Sigo Caminando: 8,5
  14. Arco Iris8
  15. Huellas: 6

Los Cafres fueron haciendo propio y personal un sonido foraneo como el reggae, no tan popular como el rock por estas latitudes, y a base a pasión y esfuerzo con treinta años de trayectoria se consolidaron como una de las bandas más importantes del género en el continente.

Tras cinco años sin novedades lanzarían en Septiembre de 2016, Alas Canciones, en el cual despliegan toda su sapeciencia y naturalidad para producir acertadas melodías, y se lucen en especial en temas fuertes como “El Silencio”, “Arco Iris”, “Alas Canciones”, “Sigo Caminando” y “Misterio”.

Según su cantante y líder, Guillermo Bonetto, el reggae fue siempre su estilo de referencia pero ninguno en la banda sabe que van a hacer en el siguiente disco: “Amamos el reggae, no podemos escapar de él. Nos encanta. A mí, cada vez me gusta más” y agregaría: “Fuimos muy permeables a todas las influencias que hemos tenido en nuestra vida. Y eso enriqueció mucho a Los Cafres. No tenemos una desesperación por ser raros. Al contrario, lo que queremos es hacer buena música. Y ser sintéticos. Tratamos de bajar un cambio con la locura”.

Acerca de cómo hacen para continuar vigentes y sobrevivir como grupo luego de tantos años Bonetto explicaría cuales son las claves: “Una es la musical, otra es la humana, y bueno ambas requieren de una energía muy particular. Creo que una de las cosas más importantes es darse cuenta de lo afortunado que somos. El hecho de poder grabar un disco, de poder viajar y mostrar la música que uno hace, pero cuando uno se abstrae de la estupidez y se dedica más a apreciar la suerte que tiene es donde la magia se genera y uno siente gratitud.

F.V.

Jóvenes Pordioseros – Pánico (2014)

Puntaje del Disco: 5,5

  1. Pánico7
  2. Lobo: 4,5
  3. Eterno: 5
  4. Fiebre: 5
  5. Staff: 5,5
  6. Hiena: 5,5
  7. Ella es mi Sombra: 6
  8. Maleducada5,5
  9. Infierno Blues6,5
  10. Hija de la Luna: 7
  11. Cindor Mir: 5,5
  12. Canción de Más Allá: 5

Con “Toti” Iglesias como el único sobreviviente original de la banda, Jovenes Pordioseros comenzó a grabar bajo el sello Pop Art a principios de 2014, Pánico material con doce nuevas canciones que no aportan demasiado.

En este nuevo lanzamiento “Toti” le canta canta a su hija, a sus mujeres, a sus vicios y al rock and roll y cuenta con el apoyo de otro referente del rock “rollinga” como Facundo Soto de Guasones que participo en “Eterno”.

El tema que da el título al álbum y “Hija de la Luna” son las únicas de las piezas que están a la altura de sus mejores épocas en sus comienzos diez años atrás, el resto son temas básicos que no son pegadizos ni tampoco aportan nada de originalidad.

En esta versión renovada de Jovenes Pordioseros se nota que Iglesias realiza todo lo posible para mantener el sonido reventado, rocanrolero, impertinente que siempre caracterizaron sus proyectos pero todavía está muy lejos de su mejor versión y parece conformarse con satisfacer a parte de su público que siempre le será fiel en lugar de buscar experimentar por nuevos territorios y crecer como banda.

F.V.

Jaime Roos – La Margarita (1994)

Puntaje del Disco: 8,5

  1. El Regreso7,5
  2. Encuentro: 8
  3. Turbación: 7
  4. La Mirada: 6,5
  5. Sandía: 9
  6. Indiferencia: 7,5
  7. Conversación7,5
  8. El Beso8,5
  9. Fama:
  10. Lluvia: 9
  11. Nocturno8
  12. Golondrinas: 8,5
  13. Maga: 8,5
  14. Otoño: 9
  15. En La Esquina: 8,5

Para comienzos de los noventa Jaime Roos estaba atravesando un enorme momento en su trayectoria, después de Estamos Rodeados (1991) y al año siguiente el tema dedicado a la selección de futbol de su país, la celeste “Cuando Juega Uruguay”, llegaría el momento para La Margarita en 1994, otro mojón valioso del uruguayo.

Para esta placa Roos diseñó un material conceptual, ya que todas las canciones del mismo están ordenadas siguiendo una historia definida, la historia de un amor de barrio en Montevideo, en los años ’40, narrados en verso en primera persona protagonista, y relata una historia amorosa entre el personaje femenino Margarita y el narrador, dos adolescentes enamorados. Basado en el libro de poemas de Mauricio Rosencof escrito en prisión en papeles de cigarrillo durante su reclusión política en un centro de detención clandestino en tiempos de dictaduras militares en el pequeño país sudamericano.

Musicalmente hablando estamos ante un álbum variado y de los mejores del gran cantautor uruguayo que mezcla el jazz, milonga, candombe, tango y el rock, con una cantidad enorme de grandes canciones como “Sandía”, “El Beso”, “Lluvia”, “Golondrinas”, “Maga”, “Otoño” y “En La Esquina”.

Una vez más Jaime Roos le encontraba una vuelta de rosca a su estilo marca registrada, de ritmos populares rioplatenses fusionados con el rock y el jazz, con el agregado de un texto con contenido tanto poético como histórico.

F.V.

Entre Ríos – Era (2011)

Puntaje del Disco: 6

  1. Si Aun: 5,5
  2. Paraná: 7,5
  3. Lo Puesto: 6,5
  4. Antena: 6
  5. De Mi: 6
  6. Frontera: 6,5
  7. Pero Nunca5
  8. Cierto Es5,5
  9. Cálido: 7
  10. Galope: 6

Entre Ríos fue una banda pionera del género indie, con orientaciones electrónicas, no solo en Argentina sino también en Latinoamérica, influenciando a un monton de grupos desde norte a sur del continente.

Su última producción musical, Era, data de 2011. Tras la marcha de su vocalista principal Isol, Entre Ríos trató de reinventarse pero nunca logró captar la atención y pasaron desapercibidos. En esta ocasión Julieta Brotsky se ocupó de las voces cumpliendo el objetivo, pero el inconveniente principal esta en las composiciones que ya dan la sensación de una banda en retirada.

Su líder y fundador, que atraveso todo el reccorido del grupo, Sebastian Carreras confirmaría la noticia en aquel año: “Entre Ríos presentará Era durante el año 2011 y luego quedará cerrada la etapa histórica del grupo. Lo que suceda a partir de ahí, me es totalmente incierto en este momento”, y agregaría: “Entre Ríos, como hacedor de obra artística (discos) considera que un álbum, o sea, una recolección de canciones puestas en un objeto físico, no manifiesta un concepto artístico actual. Sencillamente, el mensaje artístico de la música pop está sucediendo de otras maneras y otros medios. Me refiero a la caducidad del álbum cuando hablo de obras nuevas. No así, obviamente de toda la historia musical del siglo XX”.

Su sonido también parece haber tenido algo que ver, hicieron canciones elctrónicas en el año 200, cunado era improbable y hoy esto según explican dejó de ser un desafío artistico para ellos.

Tal sean cierto las razones o tal vez se les acabaron las ideas. Lo cierto es que dejaron de tocar en vivo como banda luego de las presentaciones de Era para ocuparse en la producción de temas para la instalación audiovisual SAGA en el circuito de arte under de Buenos Aires, realizando intervenciones en galerías de arte con una performance de sonido & visión donde el espectador podrá compartir la experiencia en un entorno de “instalación”.

F.V.

Palo Pandolfo – Transformación (2016)

Puntaje del Disco: 8

  1. Drácula7,5
  2. Sonido Plateado: 8,5
  3. Morel: 9
  4. Un Reflejo: 8,5
  5. Galáctica: 8
  6. El Juego: 7
  7. La Primavera7
  8. Niña de Metal: 7,5
  9. La Fuga: 8
  10. Ojos del Mañana: 7
  11. El Conquistador: 7,5
  12. Un Trago de Cognac: 8

El nombre de Palo Pandolfo lleva años dentro del rock argentino. En los ochenta como vocalista en Don Cornelio y la Zona, en los noventa como cantante y guitarrista de Los Visitantes y luego de los 2000 forjando su propia carrera solista.

En el 2001 Palo inició este camino con A Través de los Sueños, sin encasillarse en el rock y abarcando otros estilos musicales, como el candombe, la chacarera, una bossa nova, y hasta una cadencia tanguera.

A diez años de su puntapie como solista Pandolfo formaría una nueva banda que lo acompañe, La Hermandad, con los que grabaría su siguiente CD, Esto es un Abrazo en 2013 y su más reciente Transformación de 2016.

Transformación es un álbum de rock con un sonido fuerte, crudo que atraviesa desde el post punk hasta la psicodelia con historias de personajes urbanos pintorescos. Los invitados especiales son otro punto fuerte de la placa en “Sonido Plateado” Ricardo Mollo aporta sus mejores punteos de guitarra para el gran solo que cierra el tema y en “Morel” Hilda Lizarazu aporta sus coros y granito de arena en la mejor canción del disco.

Transformación, se convirtió rápidamente en uno de los mejores lanzamientos del año pasado, e incluso se sitúa entre lo más destacado de Palo Pandolfo en su extensa carrera y variedad de proyectos.

F.V.

Guasones – Toro Rojo (2005)

Puntaje del Disco: 8,5

  1. Paranoia 26: 8
  2. Reyes de la Noche: 8
  3. Toro Rojo: 7
  4. Down7,5
  5. Dame: 8,5
  6. Flores Negras: 8,5
  7. 100 Años8,5
  8. Ruta 367
  9. Fiebre: 8
  10. Gracias: 9
  11. Una Noche Más: 8,5
  12. Chica de Ojos Tristes7

Para 2005 la banda de rock and roll Guasones tenían un público fiel y un nombre establecido, pero con Toro Rojo explotarían definitivamente a nivel nacional, un gran disco con varias canciones accesibles que se hicieron populares rápidamente como “Reyes de la Noche”, “Dame”, “Gracias”, “100 Años” o “Down”, y un rock ssofisticado de guitarras sucias con destellos de country, folk en su mejor expresión.

A pesar de no contar más con su guitarrista fundacional y pieza importante José Tedesco, Guasones se las ingenió para reinvertarse y pulir su sonido de la mano de los productores Pablo Guyot y Alfredo Toth que les permitió conquistar las radios, generar un gran suceso y gran cantidad de shows por toda Argentina ya con Martín Wrotniak en la guitarra, destacandose su llegada al mítico Estadio Obras de Buenos Aires donde grabarían su primer CD/DVD en vivo, El Rock de mi Vida en 2007.

Sobre el mote de “banda de rock stone” que parte de los periodistas les otorgaron su baterista Damián Celedon comentaría: “La mayoría de la prensa y de la gente piensan que tenemos la misma onda que otros grupos, pero pienso que si escuchás detenidamente los discos, tenemos muchas diferencias musicales dentro de ese estilo. Y eso se ve reflejado en Toro Rojo” y ampliaría “A nosotros nos enctantan los Rolling Stones, pero también tenemos otras raíces: Bob Dylan, Los Beatles, Lou Reed, Andres Calamaro”.

Celedon también explicaría el momento importante que Guasones estaba atravesando y de lo conformes que estaban con su evolución: “Como grupo humano crecimos mucho, hoy la banda está muy unida. Y musicalmente también. Se nota al escuchar los discos: tuvimos un crecimiento bastante amplio”.

F.V.