Archivos Mensuales: octubre 2010

Babasonicos – Trance Zomba (1994)

Puntaje del Disco: 9

  1. Desarmate: 8,5
  2. Malón: 9,5
  3. Montañas de Agua: 9
  4. Coral Caraza8
  5. Ascendiendo: 8,5
  6. Patinador Sagrado: 8,5
  7. Koyote: 7
  8. Poder Ñandú: 7
  9. Arbol Palmera: 9
  10. Sheeba Baby: 7,5
  11. Misericordia: 8
  12. Posesión del Tercer Tipo: 9

Procedentes de Lanus, localidad del gran Buenos Aires, los Babasonicos empezaron a hacerse conocidos con el single “D-Generacion” parte de su primer trabajo Pasto (1992) que sonó constantemente en las radios con un estilo alternativo y distorsionado muy distinto a como alcanzarían la fama años mas tarde, lo que hizo diferenciar a los fans nuevos de la banda con los que los siguieron desde sus comienzos cuando tocaban un rock mas “duro” y menos comercial.

Pasto contó con la participación de Gustavo Cerati y Daniel Melero como invitados y comenzarían de buena forma a ganar adeptos presentándose como teloneros de bandas nacionales muy populares como Soda Stereo e internacionales como INXS y Depeche Mode.

Su segundo trabajo Trance Zomba (1994) marcaría una diferencia notoria con su antecesor. Si en Pasto todo era rápido y no había respiro, Trance Zomba es un viaje, un trance, hay una excesiva contemplación un medio-tiempo constante, todo en este disco se caracteriza en una pausa infinita, de hecho hasta los temas más roqueros tienen una pausa. Otro elemento fundamental en el sonido del disco es la incorporación de la música negra y del Glam rock, que musicalmente no es explicito, sino que lo es a puro nivel estético, algo que adquiriría relevancia e importancia para Babasonicos disco tras disco. La estética-sónica puso una cuota de originalidad marcando un camino que muchos imitarían en el rock argentino y latinoamericano.

Otra cuota de originalidad seria la incorporación de DJ Peggyn el primer DJ estable en una banda de Latinoamérica que les sumo diferentes alternativas sonoras a las canciones. Trance Zomba merodea por diferentes estadios un tema con base hip-hop “Desarmate” digno de los Beastie Boys o Rage Against the Machine, momentos roqueros como “Montañas de agua” y “Malón” que se convertiría en un clásico de la banda, “Sheeba Baby” una canción casi progresiva, baladas como “Coral Caraza” y “Arbol Palmera” que anticiparon el sonido que mas adelante seria una marca registrada del grupo y la innovadora mezcla de funk y música futurista de “Patinador Sagrado”.

A pesar de ser considerado un disco fundamental en su carrera tanto por fans como por la critica especializada, no es tan bien recordado por el grupo, lo que se desprende de las palabras del bajista Gabo Manelli: “Es un disco pobre, humilde… los sonidos del disco son así, tenía que ser un disco de bajo sopor, de descanso… es un disco de clase media“.

F.V.

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Vox Dei – Caliente (1970)

Puntaje del Disco: 8

  1. Reflejos Tuyos y Míos: 8
  2. No Es por Falta de Suerte: 7,5
  3. Cuero: 7,5
  4. Compulsión: 8
  5. Total Que: 7,5
  6. Canción Para una Mujer (Que no esta): 9
  7. Presente: 9

“La Voz de Dios” ese es el significado (santurrón) de Vox Dei, otra de las bandas fundacionales y más importantes del rock argentino. Su procedencia se remite a finales de los sesenta con la unión de Willy Quiroga (Bajo y Voz), Ricardo Soule (Guitarra y Voz), Juan Carlos Godoy (Guitarra y Voz) y Ruben Basoalto (Bateria). En el ’69 conseguiría un contrato con la compañía discográfica Mandioca y empezarían a grabar sus primeros singles. Pero recién en 1970 llegaría su álbum debut: Caliente.

Caliente es un muy buen trabajo que desde mi punto de vista se divide en dos partes: los primeros 5 temas que rockean siguiendo una misma tendencia de rock/blues algo primitiva pero también muy entretenida; y los últimos 2 grandes clásicos del disco que desde su concepción se desligan marcadamente de los antes mencionados.

El primer tramo arranca con “Reflejos”, que se luce por tener un jam instrumental largo pero interesante. Luego “No Es por Falta de Suerte” se nos presenta como una prolongación, es más o menos la misma canción. “Cuero” y “Compulsión” es hard blues más del estilo de Cream o Led Zeppelin. Y para finalizar tenemos a “Total Que” que incorpora la armónica y se destaca por tener un estribillo pegadizo.

Ya en la segunda parte de Caliente primero está “Canción Para una Mujer”, una preciosa y nostalgica balada acústica, mi favorita del disco. Y para cerrar el álbum “Presente”, el tema más conocido de Vox Dei. La canción esta muy quemada, pero no quedan dudas que es un himno del rock argentino. El estribillo enunciando “Todo me demuestra que al final de cuentas, termino cada día, empiezo cada día” hizo historia y quedará inmortalizado para siempre.

Persy

Los Abuelos de la Nada – Los Abuelos de la Nada (1982)

Puntaje del Disco: 6.5

  1. No te Enamores Nunca de Aquel Marinero Bengalí: 8
  2. Sin Gamulán: 8.5
  3. Como Debo Andar: 7.5
  4. En la Cama o en el Suelo: 6
  5. Ir a Más: 6.5
  6. Tristeza de la Ciudad: 7
  7. Creo Que es un Sueño Más: 6
  8. Levantando Temperatura: 6.5
  9. Guindilla Ardiente: 5
  10. Te vas Rica: 6
  11. Se Me Olvidó Que Te Olvidé: 5.5

“Padre de los piojos, abuelos de la nada” decía una frase de Leopoldo Marechal en el libro “El Banquete de Severo Arcángel”, cuyas últimas palabras fueron el punto de partida de la historia de una de las bandas más importantes del Rock Nacional. Fundada en 1967 por Miguel Angel Peralta y Pipo Lernoud, Los Abuelos de la Nada dieron forma al proyecto de rock criollo que se venía gestando con Almendra, Los Gatos y Manal.

La historia de los Abuelos de la Nada tiene dos etapas. En la primera, que se inició hacia fines de los sesenta, Miguel Abuelo era el encargado de las voces, Héctor Lorenzo era el batero, Alberto Lara en bajo, Micky Lara en guitarra, Eduardo Fanacoa en teclados y el legendario Pappo hacía de las suyas con la viola. Lograron editar el simple que incluía a “Divina Diana” y “Tema en flu sobre el planeta”, pero sin conseguir sacar un disco. Luego vinieron las diferencias entre los integrantes y mientras Abuelo se fue a España, Pappo continuó con el grupo dándole un estilo más blusero, pero tiempo más tarde también dejaría la formación.

La segunda etapa del grupo comenzó con la vuelta de Miguel Abuelo y la incorporación en los teclados de Andrés Calamaro, un talentoso joven que infundió el pop y el New Wave ochentoso en la banda. En 1982, con la producción de Charly García, se lanzó el disco homónimo que abrió un exitoso camino en la carrera del grupo.

Este álbum debut tiene un estilo pop combinado con rock y reggae bastante innovador para la época. A la experiencia de Abuelo se le sumaba el gran talento que mostraba Calamaro en cada intervención, como en “Sin Gamulán”, uno de los grandes hits. “No te Enamores Nunca de Aquel Marinero Bengalí” es el otro éxito del disco aunque también se destaca “Tristeza del Ciudad”.

El éxito del álbum llevó a los Abuelos a presentarlo por el interior del país y forjar a partir de entonces una serie de éxitos que durarían no más de cinco años, pero que sirvieron para posicionar al grupo como uno de los grandes del Rock Nacional.

Piro

Sumo – Divididos por la Felicidad (1985)

Puntaje del Disco: 9 ,5

  1. La Rubia Tarada: 9
  2. Mula Plateada: 8,5
  3. No Acabes: 8,5
  4. Regtest: 7,5
  5. El Reggae de Paz y Amor: 8,5
  6. Debede: 9,5
  7. Mejor no Hablar (de ciertas cosas): 9,5
  8. Divididos por la Felicidad: 9,5
  9. No Duermas Más: 8
  10. Kaya: 7,5

La imagen de Luca Prodan es sin dudas una de las mas importantes y llamativas en la historia del rock nacional. Luca nació en Roma, hijo de un italiano y una escocesa. La familia había padecido los campos de concentración de la Segunda Guerra, pero con el tiempo logró reponerse y hacer cierta fortuna. Luca fue el tercero de cuatro hermanos: Michela (Micaela) y Claudia eran las mayores, y Andrea el menor de todos. Estudió en Escocia en el Gordonstoun, el mismo colegio al que asistía el Príncipe Carlos de Inglaterra y vivió toda la década de los ’70 en Londres. Allí tocaba la guitarra en diferentes pubs de los barrios bajos. En 1981 aceptó la invitación de su amigo Timmy McKern que vivía en un campo de Córdoba y se vino para las sierras de Mina Clavero, recién ahí conoció Argentina sin saber una palabra de español, al poco tiempo se aburrió de la tranquilidad cordobesa y decidió mudarse a Buenos Aires concretamente a la localidad de Hurlingham.

Prodan se hizo amigo del cuñado de Timmy, Germán Daffunchio en guitarra y con un vecino de éste, Alejandro Sokol en bajo a ellos se les sumo en un comienzo Stephanie Nuttal en batería, una amiga inglesa de Luca, y con esta formación tocaron su primer show en una discoteca de El Palomar llamada Caroline’s Pub. En época de Malvinas tuvieron problemas por cantar sus temas en ingles y especialmente por contar con una inglesa como Nuttal que tubo que volverse a su país. En 1984 Sokol dejó la banda y se sumaron Diego Arnedo en bajo, Alberto Troglio en batería, Ricardo Mollo en guitarra y en saxofón Roberto Petinatto hasta ese entonces periodista de la revista El Expreso Imaginario.

El grupo se volvió en habitúe del Bar Einstein, propiedad del empresario excéntrico Omar Chaban, y se ubicaron a la cabeza del movimiento under Argentino. Su primer disco oficial Divididos por la felicidad (1985), el nombre surgió como homenaje al grupo británico Joy Division, lanzó al estrellato a Luca presentándolo en el Teatro Astros, junto a temas viejos, que habían sido registrados en un cassette independiente (del cual se realizaron solamente 300 copias), titulado Corpiños en la madrugada, y que sería reeditado comercialmente en 1992. El hit que ayudo a este éxito fue “La Rubia Tarada” pero no seria lo único interesante de su disco debut. “Mejor no hablar (de ciertas cosas)”, “Divididos por la felicidad” y “Debede” mostrando su faceta mas dura y alternativa que también se desenvolvía con facilidad en el reggae “No acabes”, “Regtest”, “El reggae de paz y amor”, “No duermas” y “Kaya” dan pruebas de ello.

F.V.

Los Ratones Paranoicos – Ratones Paranoicos (1986)

Puntaje del Disco: 5,5

  1. Movamos: 7,5
  2. Sedan 1: 5
  3. Algo Me Queda: 5,5
  4. Ahora No Es Lo Mismo: 7,5
  5. Descerebrado: 7
  6. Bailando Conmigo: 5
  7. Primavera Nacional: 6,5
  8. Sucia Estrella: 8
  9. Slide: 6
  10. Chica Cadáver: 5

En la década de los ochenta nacería en Buenos Aires un grupo que tomaría mucha influencia de los Rolling Stones, demasiada, a punto tal de ser considerados la máxima expresión de los Rolling Stones en Argentina. Esta banda era Los Ratones Paranoicos, quienes liderados por un muchacho “rebelde” llamado Juanse llegaron a hacerse conocidos imitando las formulas y premisas más básicos de los Stones.

Lo alarmante es que alcanzarían mucho reconocimiento en el país sin merecerlo. Seamos honestos, los Ratones son una copia bastante floja de los Stones. Solo tuvieron un puñado de muy buenas canciones emulando algunos riffs de Richards o imitando el estilo sucio y sexual de Jagger. Aun así, los Ratones desde su naturaleza solo pueden conformarse con ser un discreto grupo de rock. El considerarse los Rolling Stones argentinos es un rotulo que les queda muy grande (le queda grande a cualquiera). El Sr. Juanse y los suyos no son creadores de nada, solo copian y a veces en forma bastante absurda. Son el símbolo de la falta de originalidad del rock nacional.

De todos modos, la “actitud rockera” de Juanse fue posiblemente un factor determinante para convencer a su compañía discográfica para que graben su primer disco. Es así como en 1986 llegaría su álbum debut: Ratones Paranoicos.

Su primer disco tiene mucho de lo que comentaba anteriormente. Es un álbum de rock y blues genérico y obsoleto. No tiene nada de novedoso y es bastante uniforme. Es una versión bastardeada de los Stones, en donde hay poco para destacar de ellos musicalmente. Puedo decir que “Sucia Estrella” es el mejor tema, por su estribillo y por ser lo más redituable dentro de lo repetitivo de su receta. Y “Ahora No Es Lo Mismo” y “Movamos” son números dinámicos y entretenidos. El resto aburre, como el tedioso blues de “Sedan 1”.

Pero señores, lo peor del álbum son las letras. Son ordinarias y vulgares. El “poeta” Juanse nos trae una serie de canciones con prosas sutiles sobre “Chicas” y “Baile” que se repiten una y otra vez como si fuera un álbum conceptual. Algunos ejemplos: Movamos: “En el auto hay dos chicas mojadas/ son negras, fumaban ya de acá”; Sedan 1: “Son todas chicas nada mas/ Que bailan y gritan al llegar/ Muchachas calientes que al entrar/ Se quieren quedar”; Bailando conmigo: “Tu nena está caliente/ Su cuerpo no lo entiende/ Sale todo el día baila bien.”; Sucia Estrella: “Estrella, todas las chicas no quieren bailar/ Estrella, total a mi me da igual”; Chica Cadáver: “La chica ya es un cadáver, es imposible sacarla a bailar”. Claro, en “Chica Cadáver” la Chica termina agotada… al igual que el oyente…

Persy

Fito Páez – Del ’63 (1984)

Puntaje del Disco: 7

  1. Del sesenta y tres: 7
  2. Tres agujas: 8
  3. Viejo mundo: 6.5
  4. La rumba del piano: 7
  5. Cuervos en Casa: 6
  6. Sable chino: 6.5
  7. Rojo como un corazón: 7
  8. Canción sobre canción: 6
  9. Un rosarino en Budapest: 7.5

Cuna de numerosos artistas y poetas que con sus obras atravesaron el tiempo y el espacio, la ciudad santafesina de Rosario es uno de los pulmones que oxigenan al Rock Argentino. Juan Carlos Baglietto, Lito Nebbia, Silvina Garré son sólo algunos de los muchos músicos que se enorgullecen de haber surgido de la querida Rosario. Entre tanto talento, hacia fines de los años setenta, la ciudad encontraba a un nuevo hijo pródigo, Rodolfo Páez. O simplemente Fito.

En plena adolescencia y comenzando a ver los excesos que esos años conllevan, tocaba en El Banquete junto a Rubén Goldín y Jorge Llonch. En 1978 Baglietto lo incluyó como tecladista de su banda y cinco años más tarde cantaba “Del ‘63”, tema que luego formó parte de su primer disco. Pero antes de su debut discográfico, tuvo el privilegio de compartir ensayos con su ídolo Charly García que por entonces estaba grabando “Clics Modernos” y “Piano Bar”.

El impulso que significó trabajar con el mismísimo García, le permitió en 1984 editar “Del ‘63”, en el que estuvo acompañado de Fabián Gallardo en guitarra y teclados, César Franov en bajo y Tuerto Wirzt en batería. Desde el inicio Fito demostró ser un gran compositor, recibiendo varios premios y menciones.

El disco explora diversos géneros como el folklore, la bosa nova, la rumba y por supuesto, el rock, aunque este último género no es precisamente el más utilizado. La mayoría son canciones tranquilas en las que Fito repasa experiencias vividas y situaciones personales. El tema que le da nombre al disco, con una simple melodía, repasa los veinte años de vida del rosarino tomando a Lennon, Vietnam y otros hechos que marcaron su infancia y adolescencia. “Tres Agujas” y “Un Rosarino en Budapest” se convirtieron pronto en clásicos en la carrera de Fito ya que combinaba buenas letras y melodías pegadizas; aspecto que ganaría mayor forma con los siguientes trabajos.

Piro

Los Piojos – Chac tu Chac (1993)

Puntaje del Disco: 8,5

  1. Llevatelo: 9
  2. Chac Tu Chac: 8
  3. Tan Solo: 9
  4. Cancheros8.5
  5. Los Mocosos7,5
  6. A Veces: 8,5
  7. Blues del traje gris: 7
  8. Yira – Yira8
  9. Pega – pega: 6.5
  10. Siempre bajando6
  11. Cruel: 9

Oriundos de la zona oeste del Gran Buenos Aires más precisamente de El Palomar, Caseros y Villa Bosch Los Piojos se formaron en 1988 y comenzaron tocando en pubs haciéndose conocidos en el oeste. En base a una propuesta musical influida fuertemente por los Rolling Stones en sus comienzos y más adelante incluyendo sonidos típicos rioplatense (candombe y tango) y con una propuesta escénica marcada por el carisma y la teatralidad en las presentaciones en vivo de su cantante Andrés Ciro consiguieron en poco tiempo aumentar la cantidad de seguidores.

Un empuje fundamental en su carrera se dio a principios de los noventa cuando un grupo consagradísimo como los Redonditos de Ricota los señalarían como la banda revelación del año. La esperada grabación de su primer trabajo se dio en el invierno de 1992 entre Junio y Agosto, en ese corto periodo registraron Chac tu Chac, editado finalmente el año siguiendo. Los Piojos lograron llamar la atención gracias a su variedad, con una versión rockera del tango “Yira Yira”, canciones románticas como “Tan Solo” y “A Veces” y temas mas movidos como “Llevatelo”, “Cruel” y “Chac tu Chac”. A pesar de contener una gran cantidad de hits el disco no alcanzo el nivel de ventas esperado en su momento, aunque luego cuando la banda se convirtió en una de las mas importantes y populares de Argentina algunos de estos temas como por ejemplo “Tan Solo” y “Llevatelo” se convirtieron en éxitos que no pararon de sonar cuando editaron sus respectivos discos en vivo, Ritual (1999) y Huracanes en Luna plateada (2002).

En el año ’93 se dedicaron a lleno a sus presentaciones en vivo, incluyendo una gira por el interior que los llevo a muchas ciudad del interior como Bahía Blanca, Rosario y Mar del Plata para luego a fines del mismo centrarse en su segundo trabajo que se conocería un año mas tarde.

F.V.

Pappo’s Blues – Pappo’s Blues Volumen 1 (1971)

Puntaje del Disco: 8

  1. Algo Ha Cambiado: 9,5
  2. El Viejo: 8,5
  3. Hansen: 9
  4. Gris y Amarillo: 7,5
  5. Adiós Willy: –
  6. El Hombre Suburbano: 6,5
  7. Especies: 8
  8. Adónde Está La Libertad: 8

En el año 1971 el guitarrista Norberto Napolitano, alías “Pappo”, abandonaría Los Gatos para formar un nuevo prometedor trío, que contaba en sus filas con David Lebón en Bajo y Black Amaya en bateria. El trío se llamó Pappo’s Blues en clara referencia al liderazgo de Pappo sobre el resto.

Su álbum debut no tardaría en llegar y en 1971 se editaría Pappo’s Blues Volumen 1. Fiel a su estilo Pappo nos trae un álbum de Hard Rock y Hard Blues de calidad, que toma influencias de Deep Purple, Hendrix y Led Zeppelin.

Volumen 1 es muy bueno y bastante sólido. En el podemos encontrar un par de clásicos que desde mi punto de vista se destacan sobre el resto: “Algo Ha Cambiado”, un devastador rocker con Pappo violando literalmente a su guitarra; y “Hansen”, que tiene una de las mejores sincronizaciones instrumentales del grupo, resaltándose el monstruoso riff de bajo de Lebón y luego Pappo demostrando su virtuosismo.

El resto del material también es competente. “El Viejo” es un blues más cauto pero psicodélico. En cambio, “Especies” es rock más violento y vibrante. “Adiós Willy” es un breve pasaje instrumental de piano que le agrega variedad al álbum. Y “Adónde Está La Libertad” es otra de las canciones de protesta más reconocidas de la banda. Cuenta con un jam instrumental blusero que impresiona, pero a mi entender no es tan interesante como “Hansen”. El único corte que no me resulta tan atractivo es “El Hombre Suburbano”, por ser un blues/rock más genérico que el resto.

En sus posteriores trabajos la formación de Pappo’s Blues sufriría cambios, manteniendo por supuesto la figura de Pappo, quien seguiría ofreciendo su mejor rock.

Persy

Soda Stereo – Soda Stereo (1984)

Puntaje del Disco: 7.5

  1. Por qué no puedo ser del Jet Set8
  2. Sobredosis de TV9
  3. Te hacen falta vitaminas: 8
  4. Trátame suavemente8.5
  5. Dietético7
  6. Tele-ka6
  7. Ni un segundo: 6.5
  8. Un misil en mi placard8
  9. El tiempo es dinero7.5
  10. Afrodisíacos6.5
  11. Mi novia tiene bíceps: 7

Nacido por la influencia de The Police, Television y todo el movimiento New Wave de principios de los años ochenta, Soda Stereo llegó a convertirse en una de las más importantes bandas del Rock Nacional y una de las embajadoras de la misma por toda Latinoamérica. Concebida por Gustavo Cerati y Zeta Bosio, encontraron en Charly Alberti al baterista acorde para llevar a cabo el sueño de imitar a Sting y compañía. Richard Coleman, un gran guitarrista que colaboró con artistas argentinos muy importantes, llegó a tocar con el trío, pero se desligó al poco tiempo porque consideraba que la banda sonaba mejor sin él.

Habiendo conseguido cierta repercusión con la difusión de “Jet Set” y “Vitaminas”, pronto Soda Stereo tocó en lugares como Bar Zero y Café Einstein, sitios excluyentes del under porteño. La banda fue adquiriendo notoriedad no sólo por su música sino también por su llamativo cuidado en su apariencia. A mediados de 1984 el grupo grabó en los estudios de CBS su disco debut, de igual nombre.

El primer sencillo fue “Dietético” una canción que se mofaba de la importancia que la sociedad le daba a las figuras esbeltas, pero que también podía ser interpretado como una referencia al final de la dictadura militar en Argentina con la frase “El Régimen se acabó”. En ese afán burlón, “Por qué no puedo ser del Jet Set” describe el deseo de formar parte de las clases altas, que bien retratadas quedan cuando Cerati expresa “lo que para arriba es excéntrico, para abajo es ridiculez”.

Los cambios que se venían dando en la sociedad argentina que regresaba a la democracia fueron objeto de inspiración para Soda, como puede apreciarse en “Sobredosis de TV”, uno de sus grandes éxitos en la que se resalta la dependencia que la caja boba generaba en la gente. “Mi novia tiene bíceps” es otro claro ejemplo de esto.

“Trátame suavemente”, compuesta por Daniel Melero, es una de las pocas baladas del grupo que con su gran letra y sonido logró convertirse en otro gran clásico de Soda. Esta es la única canción que se aparta un poco del estilo new wave y ciertos destellos de ska que la banda utilizó para este primer gran disco.

Piro

 

Almendra – Almendra (1969)

Puntaje del Disco: 10

  1. Muchacha (Ojos de Papel): 10
  2. Color humano: 10
  3. Figuración: 8,5
  4. Ana no duerme: 9
  5. Fermín: 7
  6. Plegaria para un niño dormido: 9,5
  7. A estos hombres tristes: 8
  8. Que el viento borró tus manos: 7
  9. Laura va: 8

La vida de Almendra fue corta pero muy intensa. Uno de los grupos fundacionales del rock argentino, junto a Los Gatos y Manal nació en 1967 compuesto por cuatro miembros del Instituto San Roman del barrio porteño de Belgrano, Luis Alberto Spinetta en voz y guitarra, Edelmiro Molinari en primera guitarra, Emilio Del Guercio en bajo y Rodolfo Garcia en batería. El mismo Edelmiro relataba como se formo el grupo con cierta nostalgia de esta forma: “Almendra empezó cuando Luis Alberto, todo pelado el, y alumno San Romanense se encontró conmigo que también era pelado y alumno del San Roman. Y nos conocimos, y empezamos a reunirnos todas las noches después de los ensayos de el, con el conjunto de el en las esquinas de la casa, delirábamos y hablábamos como locos de armar un conjunto ideal ¿no? O sea lo que era ideal en ese momento para nosotros”.

Su primer sencillo “Tema de Pototo” se publico en Septiembre de 1968 y a partir de allí no pararon a tocar en presentaciones en vivo muy exitosas, la repercusión inmediata provino del estilo refinado, los arreglos vocales poco comunes y la poesía lírica de las letras, que contrastaban con los estribillos beat de moda.

Su primer LP Almendra (1969) ha sido considerado en reiteradas oportunidades como el mejor disco de la historia del rock argentino. La tapa de ese disco fue dibujada por el propio Spinetta, quien llevo el dibujo a la RCA y la compañía accidentalmente pierde el dibujo que había hecho Luis, en su lugar le dicen de publicar el álbum con una foto del conjunto, pero Spinetta no estaba de acuerdo y vuelve a hacer el dibujo tal cuál era el original que llevo por primera vez y finalmente el disco se edito con esa portada.

El disco incluye himnos del rock nacional como “Muchacha (Ojos de papel)”, “Color Humano” y “Ana No Duerme” junto con otros temas muy avanzados para lo que se venia escuchando hasta el momento en la música habla hispana, la inconfundible voz del flaco Spinetta y lo bien que sonaba la guitarra de Molinari hacen de este álbum una obra musical única.

Lamentablemente la banda nos ofrecería tan solo dos discos mas uno inmediatamente después a este (Almendra II) y otro en su efímera reunión en 1980 (El valle interior). Justo en el momento de su separación a fines de 1970 era cuando estaban cosechando más seguidores.

F.V.