Archivo del Autor: persimusic

Guasones – Toro Rojo (2005)

Puntaje del Disco: 8,5

  1. Paranoia 26: 8
  2. Reyes de la Noche: 8
  3. Toro Rojo: 7
  4. Down7,5
  5. Dame: 8,5
  6. Flores Negras: 8,5
  7. 100 Años8,5
  8. Ruta 367
  9. Fiebre: 8
  10. Gracias: 9
  11. Una Noche Más: 8,5
  12. Chica de Ojos Tristes7

Para 2005 la banda de rock and roll Guasones tenían un público fiel y un nombre establecido, pero con Toro Rojo explotarían definitivamente a nivel nacional, un gran disco con varias canciones accesibles que se hicieron populares rápidamente como “Reyes de la Noche”, “Dame”, “Gracias”, “100 Años” o “Down”, y un rock ssofisticado de guitarras sucias con destellos de country, folk en su mejor expresión.

A pesar de no contar más con su guitarrista fundacional y pieza importante José Tedesco, Guasones se las ingenió para reinvertarse y pulir su sonido de la mano de los productores Pablo Guyot y Alfredo Toth que les permitió conquistar las radios, generar un gran suceso y gran cantidad de shows por toda Argentina ya con Martín Wrotniak en la guitarra, destacandose su llegada al mítico Estadio Obras de Buenos Aires donde grabarían su primer CD/DVD en vivo, El Rock de mi Vida en 2007.

Sobre el mote de “banda de rock stone” que parte de los periodistas les otorgaron su baterista Damián Celedon comentaría: “La mayoría de la prensa y de la gente piensan que tenemos la misma onda que otros grupos, pero pienso que si escuchás detenidamente los discos, tenemos muchas diferencias musicales dentro de ese estilo. Y eso se ve reflejado en Toro Rojo” y ampliaría “A nosotros nos enctantan los Rolling Stones, pero también tenemos otras raíces: Bob Dylan, Los Beatles, Lou Reed, Andres Calamaro”.

Celedon también explicaría el momento importante que Guasones estaba atravesando y de lo conformes que estaban con su evolución: “Como grupo humano crecimos mucho, hoy la banda está muy unida. Y musicalmente también. Se nota al escuchar los discos: tuvimos un crecimiento bastante amplio”.

F.V.

Cuentos Borgeanos – Psicomágico (2009)

Puntaje del Disco: 7,5

  1. Estás Vivo7,5
  2. La Pregunta: 7,5
  3. Mirar al Sol: 8,5
  4. Resistir: 7,5
  5. La Dulce Espera: 7
  6. Cajones Vacíos8
  7. Un Día Eterno: 8
  8. Frío: 7,5
  9. Pequeña Luz: 7
  10. Hable Con El: 6
  11. 1999: 7

La interesante experiencia musical creada por Abril Sosa con posterioridad a su alejamiento de Catupecu Machu, Cuentos Borgeanos, lanzaría en 2009 su cuarta placa Psicomágico, un año antes de un impasse bastante prolongado.

La producción estuvo nuevamente a cargo de Pablo Romero (Arbol) y además de las referencias literareas, que ya son un clásico en la banda y se puede considerar uno de sus fuertes, nos encontramos un rock accesible, optimista, animado con estribillos brillosos, muchas sutilezas y un estilo que encajaría fácilmente dentro del indie rock británico moderno, aunque en esta oportunidad sean menos los puntos altos (“Mirar al Sol”, “Cajones Vacíos”, “Un Día Eterno”) que en su antecesor Felicidades (2007).

Luego de las presentaciones pertinentes y de rigor de Psicomágico, la banda anunciaría su separación el 23 de Junio de 2010 desde su web oficial. Entre otros motivos la sensación de haber alcanzado un pico creativo juntos y la necesidad de Sosa de encaminar su carrera solista llevaron a esta decisión. Abril ya tendría listo para 2012 su primer CD solista, El Piloto Ciego, y en 2011 Agustín Rocino se sumó a Catupecu Machu como baterista lugar que continúa ocupando hasta la actualidad.

F.V.

El Tri – Hecho en México (1985)

Puntaje del Disco: 7,5

  1. Hasta Que el Cuerpo Aguante: 7,5
  2. La Balada: 8
  3. Era Un Mar: 7,5
  4. Mente Rockera: 7,5
  5. Nunca Digas Que No: 8
  6. Enciende el Cerebro: 7
  7. Una y Otra Vez6
  8. F.Z. 10: 7

Desde que comenzaron su carrera hace más de treinta años la banda de rock mexicana, El Tri, serían un número recurrente entregando novedades cada año, en especial en las décadas de los ochenta y los noventa.

A un año de su aclamado debut, El Tri bajo la alineación Alex Lora en bajo y voz, Sergio Mancera en guitarras, Arturo Labastida en saxofón y flauta, y Mariano Soto en los tamborazos y la colaboración de músicos invitados como Tarzán (Rafa Salgado) en la armónica, Alex Velázquez y Luis Ramírez en las trompetas, lanzarían su segunda novedad de estudio Hecho en México en 1985.

Desde la portada la banda nos aclara el por que de su nombre, “Trabajadores Rock’n’roleros Institucionales”, y musicalmente hablando no es demasiado novedoso es una continuación de su antecesor presentando una colección de temas roqueros aceitados y bien ejecutados, sobresaliendo su primera parte en especial con algunas de sus obras cumbres como “La Balada” y “Nunca Digas Que No”.

Si bien hoy en día no es un álbum que llame la atención y parezca bastante predecible, en su momento se trato de una banda importante en su pico más alto que marcaría tendencia en su país y en la región, estamos ante Alejandro Lora y El Tri en su esplendor.

F.V.

Patricio Rey y sus Redonditos de Ricota – Momo Sampler (2000)

Puntaje del Disco: 7

  1. Templo de Momo8,5
  2. Morta.com7
  3. La Murga de los Renegados: 8
  4. Dr. Saturno: 6,5
  5. Murga de la Virgencita8,5
  6. Pool, Averna y Papusa: 6
  7. Murga Purga: 5,5
  8. Sheriff: 6
  9. Pensando Como una Acelga: 7
  10. Una Piba con la Remera de Greenpeace8,5
  11. Rato Molhado: 7,5

En sintonía con la idea de modernizar su sonido que había arrancado en Último Bondi a Finisterre (1998), Patricio Rey y sus Redonditos de Ricota lanzarían a los dos años su noveno (y último) disco de estudio, Momo Sampler.

Ya desde su grabación se vislumbraron indicios que Los Redondos estaban en desintegración. El álbum fue grabado en su totalidad por el Indio Solari y Skay Beilinson, con la ayuda de Hernán Aramberri, el resto de la banda apenas participaría de las grabaciones.

Por aquellos años hasta sus fanáticos más acerrimos criticaban Momo Sampler. A la influencia electrónica con la que venían experimentando se le sumaron toques de música celta, cuerdas y murga-rock. La guitarra está complemente tapada y Skay parece no saber qué hacer entre tanta capa de sonido moderno, tampoco la voz del Indio consigue destacarse demasiado, sonando grave y demasiado monocordes.

A pesar de esto, hay temas que logran superar con creces el nivel general, como el que abre el disco “Templo de Momo” una canción entre rock alternativo y grunge que representaría lo mejor de Los Redondos en su versión moderna, en el mismo sentido Tanto “La Murga de los Renegados” y “Murga de la Virgencita” cumplen también con este objetivo en menor medida y la balada “Una Piba con la Remera de Greenpeace” que emula a “Gualicho” de su antecesor es otro momento destacado.

Para la presentación de Momo Sampler el grupo cruzaría el charco y pisaría fuerte dos noches consecutivas de Abril de 2001 en el Estadio Centenario de Montevideo. Su último concierto estaría a la vuelta de la esquina y se llevaría a cabo en la provincia de Córdoba en Agosto de ese mismo año ante cuarenta mil espectadores. El 2 de Noviembre de 2001, tras meses de silencio y de rumores de ruptura irreconciliable entre sus miembros se oficializó la poco sorpresiva separación. Desde entonces tanto el Indio Solari como Skay Beilinson cultivarían exitosas carreras solistas y la leyenda de Los Redondos, una de las bandas más importantes y quizás la más convocante en la historia del rock argentino, se agigantaría con el correr de los años.

F.V.

Calle 13 – Los de Atrás Vienen Conmigo (2008)

Puntaje del Disco: 6,5

  1. Intro / Crónica De Un Nacimiento:
  2. Que Lloren7
  3. No Hay Nadie Como Tú: 7,5
  4. Gringo Latin Funk: 6
  5. Ven y Critícame: 7
  6. Esto Con Eso7,5
  7. La Perla: 9
  8. Electro Movimiento5
  9. Intro Fiesta de Locos:
  10. Fiesta de Locos: 6
  11. Los de Atrás Vienen Conmigo: 7
  12. Tal Para Cual: 4
  13. Interlude (Irie Rasa Man):
  14. Bienvenidos A Mi Mundo: 6
  15. John, el Esquizofrénico: 6,5
  16. Outro:

Los puertorriqueños de Calle 13 comenzaron a desmarcarse del reggaeton ya desde su segundo disco, Residente o Visitante (2007), pero acentuaría definitivamente su evolución en su siguiente CD, un año más tarde, Los de Atrás Vienen Conmigo.

Gracias a este lanzamiento la banda confirmaría su diversificación de estilos musicales dentro de lo que denominaron música urbana. Dentro de este ecléctico estilo que mezcla estilos muy variados como el rap, rock, ska, merengue, bossa nova, folclore latinoamericano, cumbia, candombe, salsa entre otros. También se destacan por sus letras satíricas, sarcásticas, controversiales y de alto contenido social y político, a cargo de René Pérez Joglar que se convirtió en una figura estelar dentro de la música popular latina, comparandoseló con figuras como el controvertido rapero estadounidense Eminem, o el francés Manu Chao.

Sin embargo, la pieza clave para la evolución del sonido de Calle 13 es su hermanastro Eduardo Cabra Martinez, un arreglista y músico profesional fanático del jazz, la bossa nova y la salsa con capacidad de improvisar y fusionar estilos diversos, de perfil mucho más bajo que el de René pero de significativa importancia en la busqueda experimental de la banda.

Acerca de cómo superaron las barreras del reggaeton y de cómo ven a la música actual René opinaría lo siguiente: “El reggaeton lo veo igual que el resto. Pero no es el único al que le falta creatividad. Al pop y el rock también; el pop hasta a veces lo encuentro peor que el reggaeton. Y en realidad no es el género musical, porque puedes hacer un buen reggaeton o puedes hacer una buena canción pop. Amy Winehouse era pop, pero era una genia. dele hace buena música y es pop. O sea, no es el género, tiene más que ver con los artistas, con lo individual.”

Los de Atrás Vienen Conmigo es un disco tan variado como desparejo que puede pasar de “La Perla”, un temazo con la colaboración estelar del veterano músico panameño Rubén Blades y los argentinos La Chilinga, de candombe, samba, ritmos latinos y letra con conciencia social al flojísimo pop electrónico y sin sentido de “Electro Movimiento” o al también olvidable momento de cumbia en “Tal Para Cual”. Otra colaboración que llama la atención es la de los mexicanos Café Tacvba en otros de los puntos altos “No Hay Nadie Como Tú”, de los temas más conocidos y populares del álbum junto a “Fiesta de Locos”.

Los de Atrás Vienen Conmigo significó un paso adelante para consolidar su ambicioso proyecto de música experimental y urbana con muchos puntos por crecer y pulirse pero con un rumbo definido y valiente.

F.V.

La Franela – Nada es Tarde (2014)

Puntaje del Disco: 6

  1. Siempre7
  2. Fue Tan Bueno: 7,5
  3. Loco Bien: 7
  4. Azul y Blanca5
  5. Meditando7
  6. Cómo Me Gustaría: 7,5
  7. Como un Reloj: 5,5
  8. Esta Noche: 5
  9. Imperdonable: 5,5
  10. Las Chicas: 6
  11. Late Corazón: 6
  12. Vos Me Entendés: 6,5

Con la popularidad de “Hacer un Puente”, La Franela paso de ser un grupo desconocido de un ex integrante de Los Piojos a una banda popular con seguidores propios y con bastante proyección y luego del mismo se posicionarían en un momento bisagra, la difícil tarea de confirmar todo lo que venían prometiendo.

Su tercer trabajo Nada es Tarde se editó en Mayo de 2014 e intentó emular al hit de su antecesor con otras buenas canciónes como “Fue Tan Bueno” y “Siempre”, aunque no obtendrían esa repercusión.

Acerca del proceso de grabación su guitarrista y productor Tucan Bosa contaría: “Es un disco que se grabó mucho mejor que los anteriores y eso se nota. Está compuesto por 12 canciones, quedaron muchas afueras incluida una que se llama “Nada es Tarde” que es la que da nombre al disco. Y sobre sus temas favoritos agregaría: “Pienso que “Fue Tan Bueno”. “Meditando” es una que nos gusta mucho a todos y es una canción radiable. Me parece que “Fue Tan  Bueno” tiene un estilo mas universal, la temática al igual que “Hacer un Puente” es una canción que le puede gustar a mi mama, a mi abuela o a mi sobrinito. Es una canción que puede atravesar edades, gustos y cae bien a todos.”

El problema es que sacando las canciones anteriormente mencionadas la mayoría de los tracks complementarios son bastante flojos, especialmente a partir de la segunda parte del CD, dejando a Nada es Tarde a mitad de camino y con el interrogante de que pueda ofrecer la banda en el futuro.

F.V.

Babasonicos – Vórtice Marxista (1998)

Puntaje del Disco: 6,5

  1. Larga Siesta: 8
  2. Fioritos: 7,5
  3. Antonio Fargas: 6,5
  4. La Muerte es Mujer: 6
  5. Chingolo Zenith7
  6. Los clonos de J.T.: 7
  7. Forajidos de Siempre: 6,5
  8. Cerebros en su Tinta: 5,5

Como forma de contrarrestar el negocio de la piratería y como regalo para sus fanáticos más fieles las bandas populares suelen lanzar cada tanto alguna compilación de rarezas, inéditos y lados B.

Esta inteligente movida llevarían a cabo los Babasónicos con Vórtice Marxista en al año 1998, compuesto por temas que quedaron afuera de sus primeras tres placas Pasto (1992), Trance Zomba (1994) y Dopadromo (1996). Cuenta la historia que su sello Sony no estaba interesado en sacarlo como material oficial, lo que llevó a Babasónicos sacarse las ganas de sacarlo en forma independiente y clandestina, convirtiéndolo en un material de culto hasta la actualidad.

En el 2000 con con el grupo fuera de Sony y con sello propio relanzarían Vórtice Marxista en forma oficial, incluyendo tres canciones instrumentales que no aportarían demasiado.

Para muchos se trata de un disco de culto y fundamental para entender el sonido de los Babasónicos previo a su salto de popularidad y mutación al rock más melódico. Aunque en realidad si bien tiene temas de rock pesado, psicodélicos de buen nivel (“Larga Siesta” y “Fioritos”) con una producción que intencionalmente buscó sonar como un out-take a nivel general no me resulta un material imprescindible como si lo fueron sus primeros discos oficiales.

F.V.

Witchour – Night Hag & El Pacto [EP] (2017)

Puntaje del Disco: 8,5

  1. Night Hag: 8,5
  2. El Pacto: 8,5

Bueno antes que nada, es un honor poder reseñar una nueva propuesta que nos mandan por correo, es un honor poder hacer una reseña nuevamente de una banda de Metal Extremo, pero es más honorífico, que bandas como estas sigan surgiendo en nuestro país más ahora que antes. El Metal Extremo últimamente está más vivo que nunca en latinoamérica, y Witchour es una prueba de ello, así que vamos a reseñar esta fantástica y prometedora agrupación.

Los presentamos primero, Witchour se formó en 2014 por los guitarristas Ezequiel Catalano y Federico Rodríguez, a los cuales se le suman el vocalista Alejandro Souza y finalmente se completan con el bajista Mario Ignacio Toba, y Javier Cuello en la batería. A fines del mismo año publicaron un EP con el nombre de The Haunting, un disco conceptual de cuatro canciones, grabado, mezclado y masterizado en Absolute Studio bajo la tela de Ivan Iñiguez (O’ Connor) y Cristian Abarca.

Pero ahora con este nuevo EP, Night Hag & El Pacto, grabado en La Cueva Studio por Ezequiel Catalano, y reamplificado, mezclado y masterizado por Nicolás Ghiglione en PGM Studios, Witchour nos presenta su propuesta de una manera muchísimo más nítida y clara que nunca.

Debemos decir que Witchour presenta un estilo de Death Metal Melódico mezclado con ciertas influencias de Hard Rock Clásico que le da ese toque único a la banda. Y vaya que lo es, son únicos en su sonido, destacando totalmente la parte instrumental, más que nada llamativa por los asombrosos riffs y pasajes de los guitarristas Ezequiel y Federico, llenos y cargados de melodías fuertes en ambos tracks, y con una increíble cantidad de solos melódicos, sin dejar de mencionar el gran acompañamiento que hace Mario en el bajo. A esto se le suma la voz de Alejandro Souza, que tiene unos growls y screams excelentes. Pero sin dudas, lo más destacable, es su impecable voz limpia, llegando a unas melodías sumamente increíbles que combinan con las instrumentales de una forma bella y melódica (especialmente en “Night Hag”), y destacando aún más las poéticas letras en ambos temas. Sencillamente genial.

En el trabajo de la batería, Cuello es fenomenal, es la base de los ritmos potentes y regulados que la banda es capaz de trabajar a la perfección. Un baterista excelente, es la base para poder realizar un buen trabajo dentro del Death Metal Melódico. Grandioso trabajo.

Bueno, pues, no podría comentar mucho más, porque realmente este trabajo me dejó con muchísimas ganas de más poder probar la propuesta de Witchour. Es demasiado grande la sorpresa que deja esta banda a los seguidores del metal extremo (incluido yo), puesto que realmente, no todos los días se ve una propuesta así salida de nuestro país. Sinceramente me llena de emoción que pase esto. Así que, muchas gracias Witchour por mandarnos su increíble propuesta, son únicos, son bestiales, desde mi comentario más subjetivo, si leen esto disculpen si la reseña se les hizo corta o hubo algún comentario fuera de lugar, pero lo único que les puedo decir es que no bajen nunca los brazos, porque tienen un potencial fuera de lo común. Esperamos su próximo trabajo. Un fuerte abrazo para todos ustedes.

Toto

La Mississippi – Sietevidas (2003)

Puntaje del Disco: 6,5

  1. Todo Otra Vez: 7
  2. El Dieciséis: 7,5
  3. En Busca de Pleitos: 6,5
  4. El Ultimo Blues: 7
  5. Ermitaño: 8,5
  6. La Casa: 6
  7. Bebo Por Amor: 6,5
  8. Testigo: 7,5
  9. Lejos de Casa: 6
  10. Veinte Chicas Veinte: 5
  11. Tarde (hasta para un gato): 6
  12. Sopa de Hueso: 6,5

Desde su surgimiento a finales de los ochenta La Mississippi se encargó ininterrumpidamente de otorgar la dosis de blues que necesitaba el rock argentino, aunque llegado cierto punto la formula repetitiva comenzaría a no ser tan efectiva.

Sietevidas se editó en 2003 por Quatro K Records, sello de la por entonces productora de Mario Pergolini, y ofrece una de las versiones menos lucidas de la banda comandada por Ricardo Tapia desde su creación. La falta de originalidad y la ausencia de variantes hacen de Sietevidas un disco del montón y olvidable, como será que su punto alto (por lejos) es el único tema totalmente distinto al resto “Ermitaño” con los integrantes de Almafuerte, Ricardo Iorio en voces y Caludio Marciello en guitarra.

Sietevidas es un álbum importante para nosotros, tiene muchas canciones con temáticas muy abiertas, un sonido muy rock, con muchas variantes, pero yo creo que es un disco muy asentado nuestro, es la música que nos gusta hacer. Lo vas a escuchar y te va a gustar porque es un disco muy amplio, en las letras especialmente, tocamos temas diferentes.”, así vendía Tapia su nuevo álbum por aquellos años cuando todavía eran referentes del rock nacional, y gozaría de buena difusión que los llevó a recorrer todo el territorio argentino.

F.V.

Estelares – Ardimos (2003)

Puntaje del Disco: 7,5

  1. Bienvenida: 7,5
  2. América: 8
  3. Moneda Corriente: 7
  4. Virginia: 6,5
  5. Patinar: 7
  6. La Coupé Roja: 7
  7. Mariposas: 7,5
  8. Feliz: 8
  9. De La Hoya: 7,5
  10. En La Habitación: 8
  11. Mis Ideas: 8,5
  12. I’m Lucky Man: 7,5
  13. Disco Pub: 7,5
  14. Estrella: 8
  15. Birds: 7

Con Ardimos, el tercer disco de Estelares tras cinco años de paréntesis, la banda platense consolida su propuesta roquera. Esto lo posibilitó en gran parte el experimentado y reconocido músico Juanchi Baleiron (guitarrista y vocalista de Los Pericos) quien ofició de productor.

Ardimos, lanzado a finales de 2003, cuenta con muchas novedades. En primer lugar es la presentación de su nuevo baterista Carlos Sánchez, a su vez cuenta con una buena cantidad de músicos invitados de primer nivel como Andrés Calamaro, Hilda Lizarazu y Gabriel Carámbula. Y también se animarían a realizar una aceptable versión de una leyenda como Neil Young en el tema “Birds” del discazo After the Gold Rush (1970).

Gracias a esta nueva placa, que tiene algunos puntos altos pero no significa un quiebre musical para ellos ni nada semejante, Estelares logra agigantar su imagen y reputación. Lo presentarían oficialmente en el Teatro ND Ateneo de Capital Federal  para luego tocar en escenarios principales de festivales en su país durante los siguientes años, augurando por aquel entonces un futuro prometedor para la banda comandada por Manuel Moretti.

F.V.